这是今年成都最高水准的艺术展，没有之一

“超融体”——2021成都双年展，毫无疑问是今年成都最重要、艺术水准和学术水平最高的一场展览。这场规模和规格都极为可观的艺术展，邀请到了来自海内外270多位优秀艺术家的参与，包括安尼施·卡普尔、托尼·克拉格、奥拉维尔·埃利亚松、卡斯滕·霍勒；张晓刚、周春芽、曾梵志、徐冰……他们带来了数百件精彩纷呈的艺术品：从传统的架上油画到前卫的新媒体影像，从高达数米的巨型雕塑到想象力超凡的装置……

本届成都双年展也是全新落成的成都市天府美术馆、成都市当代艺术馆的开馆大展。展览从11月7日起面向公众开放，持续到明年4月6日，如果你计划去看展，请按照相关疫情防控要求，并带上这份著名艺术家及其参展作品的背景介绍，应该会对徜徉于艺术海洋中的你有所帮助。

国外艺术家

艺术家

安尼施·卡普尔

作品：《浅绿间红苹果》《随机三角镜》

只要是对当代艺术略加了解的人，对安尼施·卡普尔这个名字便不会陌生。这位出生于20世纪50年代的印裔英国艺术家，在国际当代艺术界成名已久，经典作品也遍布世界各地，比如陈列在芝加哥千禧公园的那件银色雕塑《云门》，已经成为那座城市的艺术名片。

卡普尔以大型雕塑作品闻名，其实他的小型雕塑和装置也令人印象深刻。他善用简单的曲线结合凹洞和凹陷的方式，营造出一种让人凝神的氛围，被人称为当代艺术界的“魔术师”。

这次成都双年展，卡普尔带来的两件作品：《浅绿间红苹果》和《随机三角镜》，都是以圆形镜面为基底，这些抛光钢制成的反射性表面，在观众和物体之间创造了一个兼具引力与斥力的空间。艺术家这次没有选择他惯用的颜料和石头，而是选择用镜面来制作这件作品，他希望观众们在这两件作品前驻足的同时，也能反思其周围的环境和自身。

艺术家

奥拉维尔·埃利亚松

作品：《你正发生的、已经发生、即将发生》

这位出生在冰岛的艺术家，整个童年都被冰川、极光、极昼极夜等奇幻美丽的自然风光包围。受成长环境的影响，自然界的一切都是奥拉维尔·埃利亚松创作的源泉，从日月星辰到风雨云雾，他创造了一个又一个奇妙的场景。

作为现今当代艺术界最炙手可热的人物之一，埃利亚松也以大型装置作品而闻名遐迩，他在伦敦泰特美术馆创造过一轮巨大的“太阳”，在纽约架起过四条缎带般的“瀑布”，还在丹麦奥尔胡斯市打造出了一道彩虹……他的作品足迹遍布世界各大重量级美术馆、双年展、城市地标。如今来到成都双年展的埃利亚松，作品名字就很有意思：《你正发生的，已经发生，即将发生》——仿佛在练习英语的时态表达。

七盏彩色聚光灯对准一面墙，组成了这件围绕着光线、阴影、颜色以及它们与观众形式的互动的装置。卤素灯每隔一段时间就排成一条直线，由作品和它们发出的彩色光组成，放置在一个等待激活的空间中。当参观者进入装置时，这种激活就产生了——观众的影子在墙上以7个剪影的排列形式出现。这些精确的轮廓会随着观察者的移动，产生颜色强度和比例的变化，从而用颜色和光影点染出时间的流动。

艺术家

托尼·克拉格

作品：《直立》

作为英国最负盛名的后现代主义艺术家，今年73岁的托尼·克拉格一直被艺术界认为有取代雕塑大师亨利·摩尔的势头。

克拉格的雕塑作品虽然静止而立，却仿佛有一种无名的旋律萦绕其间。充满矛盾的物体的几何理性美，也充满幻想和诗意的材料与色差。

克拉格的叠砌创作技法，主要源自于他对于地质和环境的关注，他大量运用了各式各样的回收材料和地质矿物，用其独特的艺术语言，重新诠释了雕塑的形式与结构。

本次成都双年展展出了他的《直立》。这件作品的外观，像是许多坚硬的管道或圆鞘重叠在一起，然后被一把无形而锋利的刀削成现在的模样。

当我们面对克拉格那旋转着、轰鸣着，如飞来石般呼啸而至的作品时，能强烈地感受到大自然的神奇和美妙。在这四壁光滑的人造空间内，在这苍白静谧的人造光源下，这些作品涌动着、喘息着、生长着……充满了原始生命力。

艺术家

卡斯滕·霍勒

作品：《十进制时钟（鲑鱼红和诺维亚金）》

今年60岁的卡斯滕·霍勒，最特别的背景就是他从科学领域跨界到了艺术圈——没错，霍勒曾是从事生物学研究的科学家。1993年，他离开科学领域，转向艺术创作。

或许是因为科学家的出身，霍勒的艺术作品也富有科技感，且充满实验性。他常常建构出一个大型空间，观察置于其中的人，用理性角度和艺术方法去搜集人们的触觉，同时也不断激发人们感知世界的张力。

此次他的参展作品《十进制时钟（鲑鱼红和诺维亚金）》是一个“功能性时钟”，灵感来源于法国大革命时期提出的十进制时间计算方法。110个霓虹灯环代表了一个完整的白天和黑夜，它们分成10个小时，100分钟和100秒，每11个环代表一个小时，分与秒则都是由里至外，从最小的环开始计算相加。这件作品反映了艺术家对于时间本身及其在公共空间中表现的进一步深入探索，也寓意了不同思维方式的共存、思想多样性的重要，以及知识和批判性思维的内在可能性。

国内艺术家

艺术家

张晓刚

作品：《2020年三月的某一天》《对话》

张晓刚的画面，总透着一股沉静、深思的气质，还有些说不清的无奈与忧伤。这次成都双年展上的两件油画作品，依然贯穿有“时间”这个张晓刚艺术的核心主题。

可以想象，大多数人在看到《2020年三月的某一天》这件作品的名字时，都很容易第一时间想到如今仍在对我们生活造成影响的这场疫情。这也确实是艺术家想要表达的感触。

2020年独有的“集体时间感”体现为骤然减速的、甚至是近乎凝固的时间。在隔离期间，张晓刚第一次尝试用极慢的速度去完成一幅画作。那手电筒射出的柔和光锥，朝着天空的方向，也指着未来的希望。

艺术家

周春芽

作品：《丹臺春曉》《生紫煙》《指雲相贈》

今年春天，周春芽和朋友们一同游览江西三清山。他发现三清山的山形很像黄山，但比黄山小巧秀丽，岩壑更显奇峻，景点也比黄山集中，移步换景、放眼如画。

路过一块土红色岩石时，周春芽想起了王蒙的《丹臺春曉圖》，那是中国山水画史上一件有如神谕的经典名作，启迪过陆广、沈周、董其昌、王时敏、王原祁。“大自然总是最让人感动的，不管人类历史如何发展、社会如何变迁，不管过去几百年，那些山石和树木都始终在那里，不曾改变。”

上山的时候下起了大雨，冒雨行至半山腰时，雨停了，阳光忽隐忽现，云雾缭绕中，山石影影绰绰，越来越清透，越来越温润，而阳光的反光背面却是对比色暗紫色。周春芽又想起李白《望庐山瀑布》——《生紫煙》便由此有了灵感。

艺术家和一同旅行的朋友们分享各自思想和感受之余，也很想要送他们些什么，但这林泉青山里只有清淡缥缈的白云。南朝陶弘景认为这山中白云“只可自怡悦，不堪持赠君。” 于是他想：送给他们这满谷云朵、满心欢喜，也是深深的情谊。《指雲相贈》就是以这个主题完成的。

艺术家

徐冰

《背后的故事：泼彩夏山》

2004年，中央美院教授、著名当代艺术家徐冰在柏林美国学院担任驻地艺术家时，收到了德国东亚美术馆做个人回顾展的邀请。这家美术馆90%的藏品都在二战期间流失了，留下的只有一些丢失的艺术品的照片。

徐冰希望结合当地历史与个人文化背景做一件新作品，于是从馆藏档案里挑选了三件丢失古画的照片，作为创作素材，进行创造性的再诠释。这件《背后的故事：泼彩夏山》所呈现的画面，和张大千的泼墨泼彩山水画很有几分神似。但徐冰并非是通过颜料的调配来模拟三维效果（光感、立体感等），而是通过对光的调配来建构。换一种说法：艺术家在空气中调配光，而光是散落于空间中的，于是通过一块切断空间的毛玻璃来进行调配，这块毛玻璃就好比空气中光的切片，《背后的故事》可以说是一种光的绘画。（Vera）

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